On cities, mapping, psychogeography and the experience of places.

EAT is a collective of architects, thinkers and doers assembled together from an international background wherein each individual brings his or her own sensability, views and language to the whole. Its central belief is in architecture’s potential to function as a transmitter for resources, culture, ideas and change. The territory e.a.t. navigates goes beyond the conventional definition of architecture, viewing its domain as an edifice which aims to influence the built world that we inhabit today and tomorrow.

e.a.t. exploring architectural territories launch party

7pm Saturday 11 December

the red lion pub
41 hoxton sq
N1 6NH

Nicholas Brooks, Graham Hudson, Tim Ivison & Julia Tcharfas, Paul Kneale, Guan Rong, Brendan Threadgill

Private view 17 September 6-9pm

18 September – 3 October
Thursday – Sunday 12 – 6pm

Auto Italia South East
1 Glengall Road
London
SE15 6NJ

Counter Constructs brings together seven artists from the UK and North America in an exhibition exploring strategies of representation and critique of the urban built environment. Responding to the undead ‘regeneration’ of global development projects and the geologic sediment of spatial histories, the exhibition is a series of implicit proposals and contestations. Unfinished maps, unspecified models, unbuilt plans and unbuilding the city – the exhibition is as much about utopia as it is about its folly.
Initially organised by Tim Ivison & Julia Tcharfas around their research-based collaborative practice, Counter Constructs is a way to extend their dialogue on urban space to a wider range of interpretations. The artists in the show are brought together by a shared interest in mining the structures of architectural thinking, taking failure and conjecture as a starting point for productive investigations.

Comprising a number of independent installations, each work forms a part of a circuitous system of associations and digressions. The politics of history and preservation are played out in sound installation and sculpture, while the fetishisation of the suburban is both questioned and consecrated in film. An installation of sculpture, maps and images investigates the unbuilt visions of Edward Lutyens, a détourned architectural pavilion subverts the logic of modern utopias, and a floor-drawing altered daily recalls the paradox of permanent traces in the deep ephemerality of urban space in development an conflict.

Meanwhile other utopias are constructed in earnest in the form of small models and paintings forming a partial proposal towards a liberated social construction. These, and other projects will find space at Auto Italia over the course of the two week exhibition, working towards a negotiation of what we want from out cities, past and future – what is vital and resonant, what is dead and should remain so.

www.autoitaliasoutheast.org
info@autoitaliasoutheast.org

HYBRID TERRITORIES JOAN AYRTON / GRÉGORY CHATONSKY / BAS ZOONTJENS
20.03.2010 > 01.05.2010
VERNISSAGE 20.03.10 >16H

Galerie Kamchatka
23, rue charles V
75008 Paris

La galerie Kamchatka est heureuse d’annoncer l’exposition HYBRID TERRITORIES qui regroupe les travaux de Joan Ayrton (artiste de la galerie) et de deux artistes invités : Grégory Chatonsky (galerie Poller, Frankfurt – New York) et Bas Zoontjens (galerie Cokkie Snoei, Rotterdam) autour d’une intention d’invention du paysage.

Tous trois créent à travers les oeuvres présentées des paysages et territoires fictifs. Le paysage s’oppose à la nature en cela qu’il est un point de vue, un point précis d’où part le regard, un simple pas de côté modifie et altère notre perception d’un espace, donnant à voir tout autre chose. A l’heure où l’homme est décidé à sauver la nature et la terre, rejetant deux degrés supplémentaires au thermomètre, nous pouvons nous interroger sur la manière choisie ou non d’agencer les territoires et paysages. Aux frontières des zones rurales et urbaines, on trouve des espaces étranges et difficiles à définir. On y ronge le sauvage pour y planter ce qui ne passe plus en ville : zones commerciales et industrielles, échangeurs routiers, parkings, etc…
Ces espaces hybrides s’étendent depuis longtemps, le paysage agencé et maîtrisé dans un but fonctionnel et utilitariste. L’anthropisation – transformation d’espaces ou de milieux naturels sous l’action de l’homme – est inhérente à notre présence, l’idée de Wilderness, un espace naturel préservé à tout prix, interdit à l’activité humaine, est une utopie réalisée – tous les pays ont créés des concepts de réserves et parcs naturels – mais incomplète puisqu’elle ne peut être que temporaire. L’idée romantique d’une nature vierge et primaire ne fait pas le poids face à l’utilisation pragmatique de ses ressources et le risque constant de destruction volontaire ou accidentelle.
Deux notions s’affrontent : contrôler et régenter tel le démiurge conscient de son pouvoir et sûr de son droit ou, être le strict gardien de ce qui peut être préserver, le conservateur des vestiges naturels encore intacts, John Muir face à la vallée de Yosemite.
Le terme hybride nous renvoit également à l’altération humaine de la nature ; hybrida, en latin, définit simplement le croisement d’un cochon et d’un sanglier. C’est à travers son étymologie grecque que l’on retrouve le sens moral du mot : L’hybris étant considérée dans la mythologie comme la faute humaine ou divine de démesure, de dépassement de la limite. Dans le code moral antique, prémice de la morale chrétienne, elle est punie par la Némesis, vengeance divine destinée à rétablir l’équilibre naturel des choses.
On retrouve cette dualité dans les oeuvres de Joan Ayrton, Grégory Chatonsky et Bas Zoontjens, elles révèlent une nature et des paysages altérés, transformés d’où poignent un malaise, un sentiment étrange de désolation. Ils nous montrent des territoires hybrides, à portée de Nemesis.

Joan Ayrton, présente des oeuvres récentes de la série «Iridescant Landscape» (acrylique sur papier, 2009-2010). Dans cette série, l’utilisation de couleurs iridescantes révèle des paysages denses et complexes où la ligne d’horizon toujours présente apparaît selon l’angle de vue. «Graphite» (graphite sur bois, 2009) évoque un paysage de nuit dont la ligne d’horizon apparaît ou non selon les reflets du graphite.

«The road» (photographie, 2009), de Grégory Chatonsky dévoile des bords de route où des arbres calcinés s’entremêlent et surgissent d’une nuit d’encre. L’enchevêtrement des branches grises et mates ne nous permet pas réellement de distinguer s’il s’agit de bois ou de matériaux manufacturés détruits. Grégory Chatonsky présente également au sous sol de la galerie, une installation vidéo «The Forest» (2009), un long traveling à travers les cimes d’une forêt numérique. Il s’agit en réalité d’images en 3D créées automatiquement à partir de données récupérées sur internet.

Bas Zoontjens qui expose pour la première fois en France, présente une série de peintures sur bois de petits et moyens formats. Ses peintures fragiles inventent un monde d’architectures utopistes, évoquant un futur possible pour l’humanité. Avec très peu de moyens, il nous plonge dans un univers irréel et atemporel mêlant formes géométriques et constructions d’espaces en ruine.

http://kamchatka-artblog.blogspot.com/

Entre les villes, celle où je vis, celles où j’ai vécu, celles que je ne connais pas encore, se tisse tout un réseau de connexions et de renversements, d’allusions et de proximités pressenties. Notre interprétation d’une ville est le résultat de tels échos de ressemblance suscitée par un détail ou une configuration, des glissements qui sont autant de départs vers d’autres villes. Il y a les départs objectifs, dus a l’imprégnation de tout un quartier par une population différente et lointaine ou par un bâtiment qui soudain fait rupture, il en est aussi de plus secrets, de moins facilement décelables, et qui n’existent peut-être que pour celui qui en perçoit le frémissement. Il en est encore d’autres qui relèvent du collage, lorsque par exemple, chez soi ou au contraire très loin, l’on se projette par la lecture dans un autre espace.

Jean Christophe Bailly (2001) La Clairière, in La Ville à l’œuvre, Paris: Les Editions de l’Imprimeur (p.73 – 79)

“Part city symphony and part visual poem, this award-winning film explores the invisible life of London, its patterns and its hidden secrets, through the eyes of crane drivers working high above its streets.

The result is a lyrical meditation about how our existence is shaped through the environment we inhabit, both for the drivers and the people they are watching far down on the ground below them.”

You will be slightly disappointed if you expect to see here a deep reflection on psychology and alter-urbanism, to go by the over-stated description above – the film monologues consists for the best part of mundane platitudes narrated by the crane drivers themselves, though this doesn’t remove any of the visual beauty of this peaceful string of panning shots featuring highly unusual sights of London. Overall, an enjoyably conemplative film I would highly recommend for lovers of the city skyline, its buildings and its cranes.

The Solitary Life of Cranes Dir. Eva Weber (UK), 2008, 28 min.

The Solitary Life of Cranes / City of Cranes [Director Eva Weber's website]

This documentary is available to watch on 4OD until the 8th of January.

Birmingham timelapse from 7inch cinema on Vimeo.

Amateur photographer Derek Fairbrother has assembled photographs taken from the same spot in Birmingham’s Chamberlain square between 1963 and 1986, and compiled them into this intriguing timelapse sequence. The timelapses are displayed in an exhibition called Birmingham Seen which opens at BM&AG this weekend; other sequences include the Post Office tower and the Rotunda.

Stunning large-scale photographs of what was once the third largest energy generating site in the UK and the most thermally efficient power station in the world are currently on display at the Royal Institute of British Architects until 29 Sept.

The building’s exterior was designed by Giles Gilbert Scott (responsible amongst other things for the red letterbox, phonebox and Bankside Power Station  a.k.a. Tate Modern) and was built and opened in two phases, respectively in 1936 and 1956. It was decommissioned in 1983.

Having visited the derelict building a couple of years ago, I was already taken aback by its sheer scale (It is said that the boiler house could contain St Paul’s cathedral) and the poignant remains of heavy machinery scattered around the storeys. Michael Collins’ photographs succeeded particularly well in conveying the vastness of indoor spaces; He applied the technique of ‘record picture’ photography to capture the experience of the site, extensively used by the government and institutions for the purpose of official visual documentation, and used some traditional equipment to produce the shots, resulting in a somewhat bizarre timeless feel particularly visible in the shots of the control rooms.

The site now faces uncertain prospects after several failed attempts at re-development spanning over two decades, which only succeeded in removing the roof of this brick cathedral, now open to the elements.

The Royal Institute of British Architects (RIBA)

66 Portland Place
London, W1B 1AD
020 7580 5533

http://www.architecture.com

http://www.recordpictures.com Michael Collins Photography

Quelques photos témoins des derniers développements a la Résidence Universitaire d’Antony (92), le sort de laquelle semble hélas condamné…

Paradise Place Birmingham 2007 by Martin Hartland

My visit to Birmingham last month was the occasion to take the pulse of the city and revisit some of its architectural landmarks. I was naturally drawn to the closing evening of the Flatpack festival where three documentaries were shown to celebrate the life and work of John Madin, the Birmingham architect who is responsible for so much of the city’s post-war redevelopment. The screenings were followed by a panel discussion which was timely for one important reason: his creations are now bulldozed or threatened with iminent demolition. The BBC Pebble Mill and Post & Mail building have gone already, and more worringly the Central Library is next on the list.

Birmingham’s tumultuous relationship with modernism began in the 50s, at the time when numerous Victorian buildings were targeted by policy-makers on the grounds of unsoundness and inadequacy. One must acknowledge that the language of brutalist architecture demands a bit of getting used to: born out of utopian and visionary schemes of functionalism and segregation of traffic flows, it has resulted in monumental slabs of raw concrete, varyingly described as inhuman, insensitive or lifeless – not to mention the ‘urine-scented’ underpasses. Modernism is still the subject of a fierce debate, particularly in conservative England: between those who feel it is ugly and irrelevant, and those who feel that by erasing all trace of it we are in danger of blindly repeating post-war mistakes.

Nonetheless, the films presented here were an interesting occasion to put in perspective yesterday’s grand plans of tabula rasa for a clean and efficient urban system lasting “for the next 100 years” with today’s conception of modern ‘urban living’: new, shiny, glazed – and disconnected from the past, thus raising interesting questions about the changing notions and purposes of urban planning and architectural heritage. One major theme that came through during the public discussion was the increasing re-purposing of the city as a haven for shoppers and consumers rather than a public space owned by its inhabitants. Hailing a newly built shop [Selfridges] as the icon of a city bidding to become the 2008 European Capital of Culture was clearly a twisted symbol, for the very idea that consumer culture is rooted in the world of illusion and ephemera. Incidentally, the Bullring and the surrounding shopping area have already aged dramatically in their very short life.

I’m still grappling to understand the city’s attitude to the idea of architectural legacy; Why this constant need to reinvent itself? It’s as if Birmingham was somewhat ashamed and unable to come to terms with its past, and that only by erasing it, it could move forward – the city’s motto.

In the case of the Central Library, the council’s claims of structural issues look at best quite shaky and disputable, at worst more like an attempt to disguise a shift in architectural taste. Razing a building because it has fallen out of fashion is is not just short-sighted, it is expensive – especially at a time when many parts of the city are neglected and could do with a refurbishment. The recent ruling of English Heritage in favour of the listing of the Central Library came as a blow to the council’s plans. Yet city planners have also argued that the Central Library was an obstacle to the realisation of a east/west trans-urban axis. Obstruction? They have a point: as a place for free thinking and enlightenment in such a central location, the library is an obstruction to profitable shopping and spending. Alas, the latest wave of urban regeneration seems more driven by commercial motives than a genuine concern and respect for the wellbeing of people.

Six Men: John Madin, architect (BBC2, 1965, 30 min)

Friends of the Central Library

The Guardian – Society | Razed Stakes

art [espace] public est un cycle de rencontres-débats rassemblant chaque année à la Sorbonne plusieurs centaines de participants : artistes oeuvrant dans l’espace public, acteurs et penseurs de l’urbain, opérateurs culturels, professionnels, étudiants et chercheurs attentifs à ce que font les artistes dans (et de) l’espace public, curieux de la manière dont peuvent se nouer les liens entre création, cultures, populations et territoires. art [espace] public est proposé par le Master professionnel Projets Culturels dans l’Espace Public (université Paris 1), en partenariat avec Stradda, magazine de la création hors les murs.

Parce que les espaces publics sont de plus en plus normalisés, privatisés, surveillés, parce que les récits formatés du storytelling saturent les imaginaires de manières et de matières souvent insignifiantes, parce que la « misère symbolique » croît, il nous semble nécessaire de suivre ces tentatives d’invention d’autres récits, d’autres images, d’autres lieux de rencontre et de partage, ici et ailleurs, qui essaient d’activer ou de réactiver la dimension publique de l’espace public, son caractère poétique et/ou politique.

Première rencontre-débat le 30 janvier à 19h à la Sorbonne : “La fabrique de l’urbanité”, avec Alexandre Chemetoff, architecte et paysagiste, grand prix de l’urbanisme (2000), et François Delarozière, concepteur de machines de spectacle, notamment des Machines de l’Île à Nantes (http://www.lesmachines-nantes.fr).

Puis :

• Les nouvelles écritures du graffiti – Vendredi 6 février 2009, 19h-21h. La Sorbonne, amphi Richelieu.
• Comment produire des espaces publics ? Projets d’artistes et expériences culturelles – Vendredi 13 février 2009, 19h-21h. Lieu indiqué par mail après inscription.
• La ville mobile à l’oeuvre – Vendredi 20 février 2009, 19h-21h. La Sorbonne, amphi Richelieu.
• L’espace public, espace des possibles – Vendredi 27 février 2009, 19h-21h. La Sorbonne, amphi Richelieu.
• La fabrique de l’urbanité – Vendredi 6 mars 2009, 19h-21h. La Sorbonne, amphi Descartes.
• Le Grand Paris nous appartient, ou la culture métropolitaine partagée – Vendredi 13 mars 2009, 19h-21h. Lieu indiqué par mail après inscription.

Pour découvrir le programme détaillé (trente invités, sept rendez-vous) : http://www.art-espace-public.c.la